Robert Frank, figure importante de la Street Photography, est l’un des photographes les plus influents du XXe siècle depuis la parution des Américains en 1958. Les images de ce livre, dont on vient de fêter le cinquantième anniversaire, ont profondément marqué des générations de photographes.

Robert Frank développe une forme de récit photographique, suivant un fil conducteur qui pourrait être, pour Paris, la présence récurrente de fleurs et, pour Les Américains, les signes représentatifs d’un monde en pleine mutation. Avec les photographies de Paris apparaissent les prémices de son style subjectif et de son regard étranger qui s’affirment pleinement, moins de dix ans plus tard, dans Les Américains, renouvelant profondément la photographie documentaire.

Né à Johannesburgh en 1955, William Kentridge a d’abord suivi des études de sciences politiques avant de se tourner vers l'art.

Connu essentiellement pour ses films d'animation composés de dessins au fusain, cet artiste travaille aussi la gravure, le collage, la sculpture, la performance et l'opéra. Associant le politique et le poétique, William Kentridge entreprend dans son œuvre graphique, comme dans ses installations et ses films, de dénoncer l'apartheid et le colonialisme : “Je pratique un art politique, c'est-à-dire ambigu, contradictoire, inachevé, orienté vers des fins précises : un art d'un optimisme mesuré, qui refuse le nihilisme.”

«William Kentridge, cinq thèmes» s’articule autour des grands thèmes qui ont mobilisé Kentridge depuis les trente dernières années, au travers d'une importante sélection de ses œuvres de la fin des années 1980 jusqu’à nos jours. Mettant l'accent sur ses productions les plus récentes comme Learning from the Absurd : The Nose (2008), l'exposition révèle, pour la première fois en France, le très large éventail de son œuvre.

Tenter une exposition Fellini, c’est revenir aux sources de la création fellinienne, en étudiant et en donnant à voir les processus de transformation, de modification, d’emprunt ou d’empilement de strates où s’entremêlent des éléments filmiques, des documents photographiques, la mise en page de l’événement dans les magazines, des images télévisuelles ou des œuvres d’artistes…

L’exposition s’affirme sur le terrain de la pluridisciplinarité dont la tentative réside dans l’élaboration d’une grille de lecture renouvelée du cinéma de Fellini.

L’événement ou le fait historique, l’Histoire ou l’anecdote, le biographique ou le fictionnel sont tour à tour les matériaux sur lesquels Fellini, à force de confrontations, de résonances ou de dialogues, construit la spécificité de sa trame narrative et l’originalité de ses environnements visuels.

Consommation, affiliation et identité : trois concepts sur lesquels Martin Parr élabore une grande partie de son œuvre.

Ses images, désormais célèbres, déclinent en effet quelques uns des paradoxes actuels de la mondialisation : rapports sociaux et comportement grégaire, décloisonnement des frontières entre espace public et espace privé, déplacements et tourisme de masse, redéfinition des sentiments d´appartenance et des sentiments identitaires… En bref, elles donnent la vision d´une société dans laquelle biens symboliques et biens matériels empruntent les mêmes voies rapides, se croisent, s´intercalent, et très souvent fonctionnent sur les mêmes modes.

Esther Shalev-Gerz est reconnue sur la scène internationale pour sa contribution active et conceptuelle au domaine de l’art en lien avec la sphère publique, et pour son travail régulier sur la nature de la démocratie, la mémoire collective et individuelle et les politiques de l’espace public. L’élaboration de ses projets artistiques est intimement liée aux éléments extérieurs qui en deviennent partie intégrante. Ainsi, l’espace (institutionnel, politique, historique, géographique) est à la fois occupé par l’œuvre et reflété ou détourné par elle. Pendant plus de 20 ans, son travail s'est centré sur des interventions et des projets ancrés dans l’histoire des lieux et des villes dans lesquels elle a exposé.

Les photographies d'Alec Soth puisent leur racine dans la tradition de Walker Evans, Robert Frank et Stephen Shore. Sa représentation du quotidien fait apparaître la complexité d'une société américaine construite sur des idéaux d'indépendance, de liberté, de spiritualité, et d'individualisme.

Une sélection de ses deux séries les plus connues, Sleeping by the Mississippi (2004) et Niagara (2006 ), est présentée dans le cadre de cette exposition.

Elle est complétée par des photographies extraites de la série Dog Days, Bogotá (2007), de photographies réalisées, entre janvier et mars 2007, pour Fashion Magazine, et de son travail en cours de réalisation, Portraits.

Alec Soth, né en 1969, a rejoint l'agence Magnum en 2004.

Le Dadamètre est un indice global permettant de mesurer notre distance par rapport à Dada. Le projet, inspiré de Raymond Roussel et de sa méthode, est une satire au sujet de la récente transmutation du langage en un marché global régi par Google. Il utilise les ultimes technologies de contrôle et de surveillance afin de cartographier le langage à grande échelle.

Imaginez un monde transparent, où nos désirs les plus intimes seraient négociés sur un marché global et leurs risques évalués et optimisés.

Le Dadamètre, outil de profiling du langage et de surveillance narrative des mouvements artistiques, annonce une nouvelle alliance entre l'art, la science et une finance globalisée enfin libérée des cataclysmes boursiers.

Utilisant technologies du Web 2.0, réseaux de neurones, théorie des graphes, linguistique quantitative, il permet de cartographier, et bientôt de prédire, tendances artistiques ou mutations sociales.

Avec un choix de plus de 200 images (photographies et diaporamas), des textes et des documents, cette rétrospective consacrée à Santu Mofokeng propose, pour la première fois en Europe, une sélection sans précédent des essais photographiques qu'il a réalisés ces trente dernières années.

Les essais de Mofokeng (dont certains, toujours en cours, l’occupent depuis de nombreuses années) donnent à voir successivement le Soweto de sa jeunesse, ses études sur la vie quotidienne dans les fermes et dans les townships – notamment celles sur les représentations de soi et les histoires familiales des Noirs d’Afrique du Sud –, des images plus récentes consécutives à ses recherches sur les rituels religieux, enfin des paysages, parmi lesquels le projet Radiant Landscapes, spécialement réalisé pour cette exposition.

Face à face de deux artistes contemporains majeurs, issus de la même génération mais d’horizons très différents, l’exposition “H F | R G” et le catalogue qui l'accompagne, réunissent des œuvres de Harun Farocki et de Rodney Graham. L’usage que ces deux artistes font du film et de la vidéo, et une réflexion commune sur l’image, l’histoire et l’autoreprésentation, leur permettent de se croiser sur bien des points. Selon Chantal Pontbriand, commissaire de l’exposition, “tous deux excellent à révéler les tropes de la contemporanéité qui est la nôtre…”. Notre monde complexe, saturé d’images, mis à mal par de multiples difficultés existentielles, sociales et politiques, est exploré avec pertinence et singularité par ces deux artistes. Farocki et Graham ne cessent d’inventer de nouveaux dispositifs qui aiguisent notre perception du monde.